Pourquoi les Tonys devraient décerner un prix au public cette année

Le public des théâtres est attaqué de toutes parts depuis la réouverture des salles.

Les producteurs et directeurs artistiques de Broadway sont en colère de ne pas se présenter en nombre pré-pandémique. Les critiques se plaignent que leur goût conservateur freine le théâtre américain. Les acteurs, reprenant leur guerre contre les téléphones et les bonbons durs maintenant que les masques ne sont plus nécessaires, s'insurgent contre la mauvaise étiquette. Patti LuPone a vivement déploré le public distrait et "abêti" de Broadway, qui, selon elle, ressemble de plus en plus à "Disneyland, un cirque et Las Vegas".

Au début de mon voyage théâtral à New York ce printemps - un itinéraire épuisant de huit spectacles en 5 jours et demi - j'ai rencontré ma nièce pour une matinée de "Life of Pi". C'était pêle-mêle devant le théâtre Gerald Schoenfeld sur la 45e rue ouest. Les klaxons retentissaient, les foules grouillaient et la sécurité criait aux détenteurs de billets de se mettre dans la bonne file.

J'ai plaisanté, à la manière d'un oncle grincheux, que la pire partie de mon travail est parfois le public. Mais après mon marathon de spectacles, j'ai quitté la ville avec une énorme gratitude envers mes collègues amateurs de théâtre pour leur rire sincère, le sérieux de leur attention, la générosité de leur émotion et la gentillesse de leurs applaudissements.

Le théâtre est à la fois une forme d'art et un marché, et les acheteurs de billets de Broadway sont depuis longtemps en mauvaise posture. Au-delà du coût d'admission ridicule, des concessions, de l'enfer des transports, des installations sanitaires inadéquates et des sièges de la chambre de torture, il y a le mépris général lancé aux spectateurs pour ne pas savoir ce qui est bon pour eux.

Il faut prêter attention au public de base qui s'est accroché et a rempli ces vieux lieux gâteux de leurs rires et de leur empathie assaisonnés. Les Tony Awards de dimanche devraient vraiment ajouter un prix de plus à la liste de la soirée – un prix spécial au fidèle amateur de théâtre de Broadway, sans qui toute l'excellence célébrée de l'année serait aussi dénuée de sens que l'arbre proverbial tombant dans une forêt sans personne autour pour l'entendre.

Divertissement et arts

La comédie musicale "Some Like It Hot" a mené avec 13 nominations aux Tony. "Kimberly Akimbo", le choix critique de la meilleure comédie musicale, a reçu 8. La pièce de Tom Stoppard "Leopoldstadt", "Ain't No Mo'" et la reprise de "A Doll's House" ont remporté six hochements de tête chacun.

Il n'y a pas de son dans le showbiz aussi crépitant qu'une salle bondée de Broadway. Les arènes sont certainement plus bruyantes et les stades plus bruyants, mais il est difficile de battre une foule de théâtre en matière de vigilance ironique et de discernement urbain. La virtuosité au sein de cet ensemble n'est pas simplement reconnue mais formellement reconnue.

Lorsque Lea Michele a repris le rôle de Fanny Brice dans la reprise de "Funny Girl" à la rentrée, l'électricité dans le public aurait pu alimenter tout le quartier des théâtres. Michele livrait un tour de force, mais l'énergie qui se dégageait de la scène du August Wilson Theatre revenait avec intérêt. Il y avait une prise de conscience généralisée que quelque chose d'important était en train de se produire. Tous ceux qui étaient assis autour de moi - dont la grande majorité a payé la rançon d'un roi pour être là - ont compris à quel point ils avaient de la chance de vivre cette parfaite confluence de l'interprète et du rôle.

J'avais le même sentiment que quelque chose d'extraordinaire se déroulait lors de ce même voyage en octobre dernier lorsque j'ai vu "Leopoldstadt", le drame épique nominé aux Tony Awards de Tom Stoppard sur une famille juive culturellement engagée à Vienne qui a presque complètement été anéantie par l'Holocauste. C'est une œuvre que seul Stoppard aurait pu écrire. Je dis cela non pas à cause des origines autobiographiques de la pièce, mais à cause de sa grande conception verbale, qui capture l'air du temps européen changeant dans ce qui ne peut être décrit que comme une série de peintures à l'huile conversationnelles.

A l'écoute du pathétique historique, le public était tout aussi attentif à l'esprit des dialogues de Stoppard, ne voulant pas manquer une miette de la plaisanterie qui ressuscite sous une forme théâtrale scintillante un monde disparu. L'atmosphère de révérence feutrée n'était que rehaussée par l'humour intellectuel d'un dramaturge octogénaire au sommet de son art. La vision expansive de Stoppard a été récompensée par une réception à Broadway qui correspondait à la profondeur du drame.

Le public new-yorkais a vu sa juste part de productions de "Into the Woods" de Stephen Sondheim et James Lapine. Mais la renaissance de Lear deBessonet (en direction du théâtre Ahmanson plus tard ce mois-ci) a fait paraître cette déconstruction musicale des contes de fées classiques nouvellement créée.

L'humour était si frais et la mise en scène si revitalisante que la reprise a pu accueillir une distribution tournante. Au moment où j'ai vu la production autour des vacances de Noël, Sara Bareilles, qui jouait la femme du boulanger, n'était plus dans l'entreprise. Mais son remplaçant n'était autre que la gagnante de Tony, Stephanie J. Block, l'un des talents de théâtre musical les plus resplendissants travaillant aujourd'hui.

C'était vraiment une affaire d'ensemble, mais quelques performances ont laissé des impressions indélébiles. Brian d'Arcy James dans toute sa magnifique drôlerie en tant que Baker ; Gavin Creel, dotant à la fois le loup prédateur et le prince foppish de Cendrillon d'un fanfaron distinctif; Joaquina Kalukango, faisant exploser les hymnes de la sorcière dans le ciel sombre au-dessus ; et l'hilarante Katy Geraghty dans le rôle du petit chaperon rouge le plus impétueux que j'aie jamais vu gambader chez ma grand-mère dans les bois.

Pardonnez-moi d'avoir laissé de côté les autres membres de la distribution (Alysia Velez's Rapunzel, Joshua Henry's Rapunzel's Prince!) Qui, quel que soit le moment où ils ont rejoint la production, faisaient partie d'un ensemble homogène. Mais un partenaire théâtral inestimable ne peut être laissé de côté : le public, dont le plaisir vocal a fait de cette expérience théâtrale au St. James Theatre le meilleur cadeau de vacances que j'ai reçu l'année dernière.

Divertissement et arts

L'acteur Ben Platt et ses co-stars de "Parade" ont déclaré qu'ils ne renonceraient pas à raconter l'histoire de Leo Frank à Broadway après des manifestations antisémites.

"Parade" avait de loin la maison la plus calme de Broadway que j'ai rencontrée lors de mon voyage de printemps. Le silence peut parfois être un signe de désengagement. Ce n'était guère le cas ici.

Au théâtre Bernard B. Jacobs, on entendait clairement la concentration de spectateurs qui suivaient la comédie musicale complexe d'Alfred Uhry et Jason Robert Brown sur la tragédie historique de Leo Frank (Ben Platt), un directeur d'usine juif du Sud reconnu coupable d'actes odieux. crimes et finalement lynché après que l'affaire contre lui révèle d'énormes fissures.

Platt attribue au réalisateur Michael Arden la transformation du procès en un acte collectif de témoignage. La façon dont les membres de la société sont positionnés pour participer aux débats, a expliqué Platt, invite le public à faire de même. Platt, qui reste sur scène tout au long de l'entracte comme une sorte d'exhibition humaine de l'injustice, a déclaré qu'à la fin, les acteurs et le public ne faisaient presque plus qu'un.

À l'opposé de l'échelle des décibels se trouve la nouvelle reprise de "Sweeney Todd : le démon barbier de Fleet Street", avec Josh Groban et Annaleigh Ashford au Lunt-Fontanne Theatre. Les fidèles adorateurs de Groban créent un environnement digne d'un concert. Les acclamations commencent avant même que les numéros de Sweeney ne soient terminés, les fans sont tellement excités de voir Groban dans le rôle du barbier meurtrier dans Sondheim et le thriller musical de Hugh Wheeler.

Mais plutôt que de nuire à la minutie des performances, l'enthousiasme ne semble qu'élever le calibre. Je n'ai pas ressenti une telle vitalité dans une salle depuis l'ouverture de "Hamilton" à Broadway en 2015. Thomas Kail, il se trouve, a dirigé à la fois la comédie musicale Lin-Manuel Miranda et cette renaissance satisfaisante, et le mérite revient à son déploiement astucieux de théâtre sismique Talent.

Toujours modeste, Groban a insisté sur le fait que l'acclamation n'est pas seulement pour lui. Il l'a attribué à la puissance vedette de l'ensemble et au nouveau public qui s'est avéré.

"Ce qui nous a tellement surpris, c'est le nombre de halètements et de" Oh, mes dieux "que nous entendons dans le public", a-t-il déclaré. "Je suis allongé là à la fin et je pense:" Oh, ils ne l'ont jamais vu auparavant. ""

La science théâtrale qui permet à l'énergie de circuler librement entre la scène de l'avant-scène et l'auditorium est mise à profit de manière experte dans "Fat Ham", le riff lauréat du prix Pulitzer de James Ijames sur "Hamlet" à l'American Airlines Theatre. Marcel Spears, qui joue Juicy, la figure de Hamlet, interrompt régulièrement un barbecue dans le jardin pour informer le public de la situation néo-shakespearienne qui atteint rapidement un point d'ébullition.

Les soliloques peuvent être interprétés de manière à tenir le public à distance. Mais Juicy de Spears utilise ces brèches du quatrième mur pour inviter le public. Le ton est décontracté et comique, ce qui nous permet de baisser facilement la garde. Mais avant que nous le sachions, nous sommes impliqués dans la question de savoir si une histoire doit nécessairement être une tragédie. Avons-nous le pouvoir de choisir la comédie plutôt que la catastrophe et de nous donner ainsi un autre jour pour gaffer ?

L'esprit communautaire de "Fat Ham" était un moyen idéal pour conclure un voyage qui m'a rempli d'un sentiment rafraîchissant de camaraderie. Bien que je n'apprécie toujours pas les longues files d'attente dans la salle de bain ou les textos compulsifs et les retardataires bruyants, le public de Broadway mérite sa propre distinction pour avoir rendu les hauts tellement plus élevés qu'ils ne l'auraient été autrement cette saison. Tout le stress et la tension d'aller au théâtre disparaissent au moment où les lumières s'éteignent et qu'une salle remplie d'étrangers inhale collectivement en prévision de la magie.